OUTSIDE

La techno oggi è sconnessa da tutti i significati che l’hanno vista nascere: non è più necessariamente suono della periferia urbana americana, voce autentica della strada o campo di battaglia per rivendicazioni razziali. La techno oggi è bianca, gialla, nera e rossa, è un’esperienza interiore più che una fotografia demografica, si suona più in Europa che in America e si è da tempo lasciata alle spalle l’appeal di fenomeno culturale autentico. Le street parade si stanno estinguendo, i rave sono diventati pretesto per far soldi e mentre i centri sociali spariscono dalle strade e per ricomparire nei libri di storia è lecito chiedersi che cosa rimanga della techno. La techno è diventata un puro canale espressivo, un’etichetta che facilita la vita ai marketers, uno stato mentale e come tale può permettersi di viaggiare nel tempo e nello spazio. Non si appella più a codici rigidi e non ha regole esplicite, fatta eccezione per una delle sue tante facce, quella old skool per l’appunto. La tecno è un albero che ramifica in ogni direzione e prende linfa dal rimpasto di vecchio e nuovo. A una estremità dell’albero si trova il genere pastoral, ossia romanticismo digitale che si esprime sotto le diverse diciture di natural, green o pastoral techno. La pastoral techno è una ramificazione talmente distante dalle radici che si dimentica della fredda precisione e dell’alienazione che ha dato vita a tanta musica digitale, per andare a cercare il calore e il pathos necessari a ricreare il suono della foresta e il respiro della terra. Si può definire l’evoluzione verso la natura di un suono smaccatamente urbano e cade a pennello in un periodo di ambientalismo di massa. Questa fase umanizzata della tecno, comunque, non è completamente nuova. Alcuni precedenti solari e ‘verdi’ possono essere la parentesi colorata della Summer of Love (1988), parte della scena goa che ne e’ seguita, band come gli Ultramarine (per i quali del termine pastoral è stato per primo utilizzato), poi progetti ecologici come quello degli Orbital.

Nella storia recente la pastoral techno ha avuto origine grazie a Wolfgang Voigt, il fondatore dell’etichetta Kompakt di Cologna. I suoi samples di archi dalla tradizione classica, il tentativo di allineare le sue produzioni digitali con la cultura romantica tedesca e l’utilizzo della lingua teutonica hanno sortito gli effetti desiderati: creare un canale ideale fra la prestigiosa tradizione classica di Germania e la musica techno, ridefinire la dicotomia tecnologia-natura , sganciare la techno dalla scena rave/club e rilanciarla come musica pop tedesca. In un’intervista di qualche anno fa il signor Wolfgang dice: ‘the sound worlds of Wagner or Alban Berg are excellently suited to tell again the good old fairy tale of the German forest in the most beautiful colours of pop.’ (i mondi sonori di Wagner o Berg sono particolarmente adatti a riraccontare la vecchia favola della foresta tedesca attraverso i più bei colori del pop. Qui e’ dove potete trovare l’intervista completa http://www.angbase.com/interviews/wolfgang_voigt.html ) Pop perché la musica di Voigt è talmente distante dalla tensione e dalla connotazione underground della prima musica di Detroit che può permettersi di riallacciarsi al lato accessibile e popolare della tradizione romantica.La maggior parte della green techno, e della sorella minore down tempo (Morr Music e simili), viene dalla Germania. La mia top 7 in data odierna è 100% made in D: Danjel Esperanza “Die Voegel Gehn Zu Fuss” e “Lumen” (meleon), Namito “Zizou (tom pooks mix)”(kling klong), Dominik Eulberg “Kriechender Gunsen” (traum), Alex Under “Extrapezlo” (trapez), Phunklarique “Reflections in Plexyglass” (knall) e Booka Shade “Planetary (dub mix)” (get physical).

      Forse e’ un caso ma il 2008 per me e’ iniziato all’insegna della distorsione. Prima Distorsion dei Magnetic Fields poi Lust Lust Lust dei Raveonettes, 2  dischi distorti fino all’osso, e ora 3rd che inizia con chitarre abrasive e si snoda fra un riverbero e l’altro.  A dire la verità sul nuovo disco dei Portishead c’e’ una marea di roba, non solo distorsione. C’e’ jazz, rock, sperimentazione, elettronica, psichedelia, reminiscenze di dummy, ma in generale il disco suona più sporco e più macchinoso dei due predecessori. Provo a spiegarmi. Se in dummy l’elettronica serviva a disegnare paesaggi armonici, quadretti da un’altra era e spazi onirici in cui l’ascoltatore rimaneva sospeso,  l’uso dei campionatori in 3rd mi sembra più belligerante e più teso ad evocare apprensione esistenziale che una sottile patina di inquietudine onirica. I glissati di basso e chitarra che hanno sorpreso col fiato sospeso milioni di noi fra i lunghi passaggi  da una nota all’atra, qui lasciano spazio ad uno uso più percussivo degli strumenti per ottenere un suono più brusco ed allarmato.
Che dire, al primo ascolto è davvero difficile dare etichette a questo disco.  Mi aspettavo un album più simile al lavoro di Beth Gibbons da solista, ma non è così. Quest’album porta chiaro il marchio P,  oltre a contenere una moltitudine di altre voci. Si sentono da lontano Radiohead, Matthiew Herbert,  Cocorosie, Moloko, Grandaddy. E’ trip hop? Se il trip hop sia mai esistito possiamo chiamarlo così, ma e’ trip hop dilatato, contaminato e molto più vicino alla guerriglia sonora del primo Tricky che al vintage patinato dei Portishead versione 1994. In questo 3rd ci vedo un disco che parla di angosce del presente e non di apparizioni dal passato,  parla di realtà e non di sogno e parla di guerra, seppure  intervallata da piacevoli tregue, non di pace.  Bello e appassionato.

Una bella sorpresa da Brooklyn e una nuova voce nel panorama dance americano. Nonostante i riferimenti pesanti a cui il disco rimanda, l’eredità della musica nera e della cultura classica, le 10 canzoni scivolano leggere e piacevoli. 3 ragioni per cui Hercules&Love Affair mi convince: 1) perché è in linea con il lato più intellettuale della disco e questo lo rende un lavoro originale. Gli episodi camp vengono ricontestualizzati in una cornice neo-disco sexy si, ma più incline al celebrale. Il riferimento qui è più Arthur Russel che Giorgio Moroder. 2) Perché Time Will, il brano d’apertura, è strepitoso e ricorda i primi lavori di Terry Callier. A mio avviso questa è una delle registrazioni più groovy di Antony (&the Johnsons), che dal vivo ipnotizza ma su disco rischia di addormentare. 3) Perché le influenze principali di questo gruppo, cito dal sito di myspace, sono: ‘Magia, stupore, la bellezza delle buone azioni e i Muppets’. Carino, no?

Pitchfork lo giudica il migliore disco della DFA. Personalmente preferisco LCD Sundsystem, ma l’ album e’ da avere.